Künstler: Tim Maertens
Material: Bronze
Einweihung: Oktober 2024

Der Bildhauer Tim Maertens nennt die für das neue Wohnquartier Auf dem Baggersand geschaffene Bronzeplastik „Verwandlung“. Er spielt damit nicht nur darauf an, dass das Gesicht der Stadt an der Mündung der Trave sich einmal mehr verändert hat, sondern er bezieht sich noch tiefergehend auf die Wirkung, die sich zeigen kann, wenn Menschen sich neu begegnen.

In der Plastik treffen sich zwei autonome Bewegungen/Körper und berühren sich an einem Punkt ihrer Bewegung. Dieses Bild setzt der Künstler als Metapher für die zwei menschlichen Grundbedürfnisse nach Autonomie, persönlicher Entfaltung und Kreativität einerseits und nach sozialer Verbundenheit, Miteinander, Anerkennung und Partnerschaft andererseits, die in ihrem Zusammentreffen zu mehr als der Summe ihrer Teile werden können. 

Der Künstler selbst sagt dazu: „Ein Zusammenleben kann sich aber nur dann fruchtbar entwickeln, wenn Individualität und Autonomie in einem flexiblen Gleichgewicht stehen mit den Bedürfnissen aller in dieser Gemeinschaft. Das ist ein Grundprinzip jeder lebendigen Gemeinschaft und nicht zuletzt auch das unserer Gesellschaftsordnung, das immer wieder ein frisches Ausbalancieren von uns fordert. In einer ähnlichen Dynamik berühren und stützen sich die beiden Körper der Plastik deutlich, ohne jedoch ganz miteinander zu verschmelzen oder ihre individuelle Bewegung aufzugeben, wenngleich diese Berührung gleichzeitig auch einen Impuls für ein gewisses Maß an Synchronisierung der weiteren Bewegung sein kann. Diese Plastik schafft das Bild eines dynamischen Gleichgewichtes von Gegensätzen: Individualität und Gemeinschaft, Autonomie und Einheit.

Durch das Zusammentreffen der beiden geschwungenen Körper - ähnlich zweier Kreissegmente, die zusammen eine Schnittmenge bilden - entsteht in ihrer Mitte auch der Eindruck eines Torbogens. Das Raumvolumen des Inneren dieses Bogens entspricht annähernd den Proportionen eines Menschen oder noch genauer eines sich umarmenden Paares…“, sagt der Künstler. Die Plastik steht so gleichsam nicht nur formal sondern auch sinnbildlich als Entrée zum neu entstandenen Wohnquartier und kann mit dem geschaffenen Freiraum auch sonst zum Treffpunkt werden. Und mit der grünen Patina der Bronze stellt der Künstler einen direkten Bezug her zur grünen Turmkappe der St. Lorenz Kirche, die in der Blickachse direkt über dem letzten Querriegel der neuen Bebauung sichtbar ist, und schlägt auf diese Weise durch die optische Verbindung zum Kirchturm einen Bogen über die gesamte Anlage bis ins Stadtzentrum Travemündes hinein.

In den unterschiedlichen Details der beiden auf den ersten Blick ähnlichen Körper hat Tim Maertens aber auch noch weitere Metaphern „versteckt“. Dieses zeigen sich zum Beispiel in deren Oberfläche und geometrischer Symbolik. Er erklärt dazu: „Die sechseckige Grundform des einen Körpers steht für das flüssige Element Wasser, hergeleitet aus dessen hexagonaler Struktur sichtbar etwa in der Form von Schneeflocken und Eiskristallen oder in den sechs Seiten der wiederkehrenden Tetraeder-Form des Wassermolekül-Clusters in flüssigem Zustand. Die andere fünfeckige Form dagegen steht für die feste Materie, indem ich das Fünfeck in seiner geometrischen Herleitung gleichgesetzt habe mit der irrationalen Phi, die in Mathematik und Materie für das Proportionsverhältnis des sogenannten Goldenen Schnittes steht, einem Größenverhältnis, das nicht nur in Kunst und Architektur spätestens seit der Antike ein wesentliches Gestaltungsprinzip ist, sondern das, quasi abgelesen aus dem Lebendigen, seine eigentlichen Ursprung in einem grundlegenden Ordnungsprinzip der Natur hat, vielfältig sichtbar in den Formen der Schneckenhäuser, über den Blattstandswinkel fast aller Pflanzen, bis zur Spiralform von Galaxien. Die beiden Bronzebögen können also jeweils auch als Ausschnitte eben dieser goldenen, logarithmischen Spirale weitergedacht werden.“

Auch auf dieser Ebene spiegelt die Arbeit also eine Dynamik im Wechselspiel vermeintlicher Gegensätze an einem Ort, an dem Meer auf Land trifft. Der Titel der Arbeit deutet also, zusammen mit der Kreisbewegung der Plastik, auch auf den lebendigen, natürlichen Kreislauf der Natur, der aber, so der Künstler, „…gleichzeitig auch zu vielen ganz individuellen, persönlichen Bewegungen und Metamorphosen der einzelnen Betrachterin und des einzelnen Betrachters werden darf. Welche Assoziationen darüber hinaus beim Betrachten entstehen, möchte ich bewusst offenlassen. Angesichts der klimatischen und ökologischen Katastrophe, die wir uns konsequent linear erarbeitet haben, mag meine Arbeit aber auf jeden Fall auch etwas dazu anregen, wieder stärker das natürliche Prinzip des zirkulären Wandels gegen das des linearen Wachstums um jeden Preis zu tauschen“. Alles dies darf in jedem Fall an einem Ort wachsen, wo zukünftig Menschen in ihrem neuen Zuhause und schon sehr lange Süßwasser und Salzwasser, Festland und Meer lebendig aufeinander treffen.

Künstler: Sainer
Art: Mural
Einweihung: Juli 2023

Der international anerkannte polnische Mural-Künstler Sainer aka Przemek Blejzyk hat im Rahmen des 1. Lübeck Urban Art Festival (LUAF) 2023 ein großformatiges Wandbild, ein sogenanntes Mural geschaffen. Auf der Hausfassade der Korvettenstraße 22-34 entstand ein unübersehbares Unikat, das es weltweit kein zweites Mal gibt und das dem Stadtteil einen beeindruckenden Blickfang hinzufügt.

Wie bei vielen Künstlern der Urban-Art begann auch Sainer in der Graffiti-Szene. In den vergangenen zehn Jahren hat er die internationale Urban-Art-Szene begeistert und wurde überall in Europa, aber auch Australien, Hawaii und Dubai mit künstlerischen Arbeiten beauftragt. Seine Werke stellt er in Einzel- und Gruppenausstellungen überall auf der Welt in renommierten Galerien aus – Miami, Warschau, London, Paris, Basel… Die Liste ließe sich fortsetzen. Und Lübeck kann sich nun auch glücklich schätzen, eines seiner Werke zeigen zu können.

Sainers Darstellungen zeigen Menschen, Tiere, Landschaften und Architektur, die gleichzeitig humorvoll, melancholisch und Comic-artig sein können. In „Garden Studies“ hat er neue Landschafts-Studien erprobt.

Künstlerin: Bettina Thierig
Material: Savonnière-Kalkstein
Einweihung: Juni 2015

Die Grundstücks-Gesellschaft TRAVE beauftragte Anfang 2014 die Lübecker Künstlerin Bettina Thierig mit der Erschaffung eines Kunstwerkes für das neue Wohnhaus in der Heinzelmännchengasse 1+3. Von vornherein war klar, dass das Kunstwerk nicht am Boden stehen, sondern weithin sichtbar sein und Wertschätzung für den Stadtteil Moisling und seine Menschen ausdrücken soll.

Die Künstlerin Bettina Thierig über die Figurengruppe:

Ich habe mich über das Anliegen meiner Auftraggeber, dem Stadtteil Moisling etwas Außergewöhnliches zu schenken sehr gefreut. Es hat mir besondere Freude gemacht, über diese Aufgabenstellung nachzudenken.

Eine Auftragsarbeit ist etwas anderes als eine freie Arbeit. Ich kann meine künstlerische Arbeit hier innerhalb eines fest gesetzten Rahmens erfüllen. Man kann das als Einschränkung empfinden, oder aber als besondere Herausforderung. Man muss sich innerhalb von außen gesetzten Grenzen Lösungen ausdenken, die einerseits die eigenen Ansprüche erfüllen, aber andererseits auch die gewünschten Vorgaben erfüllen.

Meine Idee ist, der Gruppe eine bestimmte Dynamik zu verleihen. Die Figuren sollen sich erkennbar aufeinander beziehen. Ich will durch die Bewegungen innerhalb der Gruppe ein Zusammengehörigkeitsgefühl der Menschen im Stadtteil ausdrücken. Da Dynamik bei einer Gruppe mit einer geraden Zahl an Figuren nur schwer darzustellen ist, habe ich mich dazu entschieden, eine der vier Figuren deutlich kleiner zu machen. Da die Figuren am Rand des Daches stehen sollen, damit sie von unten sichtbar sind, steht mir nur die seitliche Bewegung zur Verfügung. Also gebe ich den Figuren seitliche Bewegungen, die aufeinander verweisen. Die Frauenfigur links hat einen wehenden abstrahierten Rock, der auf die Nachbarfigur zeigt. Die auseinander gestellten Beine der zweiten Figur bringen eine Diagonale in die Gruppe. Der Arm der kleinen Figur ist erhoben und greift nach der männlichen Figur neben ihr. Bei der letzten Figur in der Reihe ist der Oberkörper in Richtung zur Gruppe abgeknickt, während ihr Rock sich in die andere Richtung bewegt. Die Bewegung wirkt eher ruhig und dynamisch, da die Statik der Figuren so ausgerichtet ist, dass sie ausbalanciert sind und ohne Stütze stehen können.

Broschüre Moislinger Gesellschaft zum Download

Künstler: Stohead
Art: Mural
Einweihung: Juli 2023

Das großformatige Wandgemälde “Slave to the Rhythm” hat der deutsche Graffiti-Künstler Stohead aka Christoph Hässler geschaffen. Im Rahmen des 1. Lübeck Urban Art Festival (LUAF) 2023 hat er die Fassade des Moislinger Mühlenweg 39–39b in wenigen Tagen mit einem einzigartigen Mural geschmückt.

Seine künstlerische Laufbahn begann in den 1980-er Jahren in einer Szene, die durch Punk, Hip Hop, Skateboarding und Graffiti beeinflusst wurde. Schon früh war ein Schwerpunkt seiner Arbeit das sogenannte Lettering, also das Gestalten von Schrift. Im Laufe der Zeit entwickelte er eine einzigartige kalligrafische Technik, für die er bekannt ist. Einzelne Worte, aber auch Zitate und Songtexte prägen seine Arbeiten – egal ob auf Fassaden oder auf Leinwand. Er hat es in seinen Werken mit einer Mischung aus bunten ineinanderfließenden Buchstabenelementen und abstrakter Malerei zur Meisterschaft gebracht. In seinem Moislinger Werk arbeitet der Künstler ganz abstrakt. Die farbigen Formen fließen rhythmisch ineinander. 

„Als ich in den 90er Jahren klassische Graffiti Pieces gemalt habe, gab es einen großen Trend die Pieces in die dritte Dimension zu überführen. Meine Buchstaben wurden quasi organisch und ich habe sie in der Tiefe aufgeblasen und gedehnt. Später reiste ich zurück aus dem Räumlichen und konzentrierte mich wieder auf 2D-Buchstaben und die reine Form – die Tags, die meine Leidenschaft entfachten und mich vom ersten Tag an begleiteten. An diesem Punkt entstanden auch meine ersten kalligraphischen Arbeiten auf Leinwand. Heute reise ich zurück in das Räumliche, um neue Dimensionen und Ebenen für diese Art von Kunst zu finden. Die Buchstaben werden gelöscht, zerlegt und tauchen gleichzeitig in diesen Gemälden auf. Versteckt in den nebligen Stäuben und Flüssigkeiten ist der Prozess neue Striche und Typen zu schaffen – eine tägliche Praxis, die man braucht, um die wunderbare Kunst der Kalligraphie auszuüben.““ (Stohead 2014, Katalog seiner Ausstellung „NOW“, Pariser Galerie Le Feuvre).